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Jueves, 21 Septiembre, 2017 - 10:30

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bulegoa z/b y Azkuna Zentroa organizan el Simposio Internacional de Comisariado El ensayo de la exposición (1977-2017), que tendrá lugar los días 21, 22 y 23 de septiembre.

El ensayo de la exposición (1977-2017) es un proyecto que se inició en 2016 con un prólogo y se desarrollará a lo largo de tres años con varios encuentros internacionales. El objeto del proyecto es el estudio de exposiciones concretas que tuvieron lugar entre 1977 y 2017 y su relación con la idea de ensayo.

Primer encuentro (1977-2017):
Centrado en la década 1977-1987, el primer encuentro en septiembre de 2017 pone en diálogo distintas miradas sobre ese periodo desde el presente atendiendo al contexto geopolítico, cultural y social del momento y su relación con el arte y con la idea de exposición. El programa incluye conferencias de Tamara Díaz Bringas, Bojana Kunst, Dora García, Carles Guerra, Franco Berardi Bifo y Adrian Heathfield y un par de seminarios dirigidos por los dos últimos.

Inscripción:
Conferencias: entrada libre con invitación (recoger en Infopuntua) hasta completar aforo.
Seminarios (25 € / 18€ con tarjeta Az):aquí

Último día de plazo: viernes, 14 de julio.

 

Programa:
21 de septiembre, 2017

10:30-14:00. Afinidades de espíritu. Seminario con Adrian Heathfield

18:30. Todo lo que no sabía en los 80. Dora García
19:30. 1979. Un monumento a instantes radicales. Carles Guerra

22 de septiembre, 2017
11:00-14:00. En la esfera del caos. Cien años después de la revolución soviética. Seminario con Franco Berardi Bifo

18:00. Saliendo a la luz: prácticas feministas, vida autónoma y la exposición. Bojana Kunst
19:00. Si el agua no ahogase un río. Tamara Díaz Bringas
20:00. Una recurrencia de la duración. Adrian Heathfield

23 de septiembre, 2017
12:00. El año en que el futuro se acabó. Franco Berardi Bifo
13:30. Vino de clausura

 

Afinidades de espíritu. Seminario con Adrian Heathfield
Heathfield proyecta y discute Spiritual Labour (Labor espiritual), que ha realizado recientemente junto a Hugo Glendinning. Centrada en la “persistencia de la performance”, la película rastrea las propiedades energéticas de las colaboraciones entre distintas generaciones y formas. Propone el concepto de “afinidades de espíritu”, entendidas éstas como unas infraestructuras de la cultura apenas visibles, una serie de transmisiones firmes y constantes que a lo largo del tiempo se entreveran pero a la vez mutan entre distintos artistas y obras de arte. La película especula alrededor de una de esas “afinidades de espíritu”, la trazada entre la escultora Janine Antoni, la coreógrafa Anna Halprin y la escritora Hélène Cixous. En el seminario, se tratará sobre la supervivencia histórica de la performance en relación a las genealogías de la “afinidad de espíritu” y el comisariado de actos retrospectivos, tomando en consideración el reajuste del arte a lo no-humano y al poder de lo desconocido.

Todo lo que no sabía en los 80. Dora García
Estudié Bellas Artes en Salamanca y después en Ámsterdam entre 1985 1991. En ese momento, los artistas eran rock stars y los aspirantes a artistas eran aspirantes a rock star. En España, el machismo era rampante (lo sigue siendo), y el mito del genio masculino heterosexual e hipersexual estaba bien vivo (ya no tanto, uf). O eso es lo que yo recuerdo. Todo el mundo quería ir a Nueva York, tener una galería, vender cosas por precios astronómicos. Los modelos eran Schnabel, que era adorado en Madrid, o Barceló. No parecía haber otra alternativa. Y sin embargo, durante todo ese tiempo existía Group Material, existía Felix González Torres. Existía Lee Lozano y existía (y existe) David Hammons. Existía Ulises Carrión, existía Jack Smith, existía Charlotte Posenenske (aunque ya no fuera artista). Había existido Ana Mendieta, habían existido Glauber Rocha y León Hirszman, habían existido los conceptualismos del sur con Tucumán Arde, Graciela Carnevale, Helio Oiticica, Lygia Clark, Cildo Meireles. Todos ellos son nombres que fueron fundamentales en mi trabajo y en el de los artistas de mi generación. Y sin embargo, en esos años que definió José Luis Brea como “después del entusiasmo”, nadie me hablaba de ellos.

En la esfera del caos. Cien años después de la revolución soviética. Seminario con Franco Berardi Bifo
La revolución soviética constituye el momento cumbre de la promesa moderna, del proyecto de realización de la Razón en la realidad histórica. En las décadas de paso a lo que se conoce como la posmodernidad, esta promesa se mostró como una ilusión. En 1977, la cultura punk declaró el fracaso del futuro como proceso progresivo y expansivo. En 1989, se certificó el fracaso del proyecto socialista. Muchos declararon que la historia se estaba acabando. Fukuyama por un lado, Negri y Hardt por otro, proclamarán la eternidad del imperio neoliberal. Se trataba de una ilusión ya que hoy, cien años después de la revolución soviética, el Caos es la forma general de la historia.

Si el agua no ahogase un río. Tamara Díaz Bringas
James Bay Project. A River Drowned by Water fue una muestra del artista Rainer Wittenborn y el escritor Claus Biegert presentada en el MoMA de San Francisco en 1981. El proyecto en torno a una represa que inundó tierras indígenas en Canadá constituyó también la última exposición presentada por Rolando Castellón (Nicaragua, 1937) en su período como curador de esa institución. Artista y curador autodidacta, Castellón fue invitado a integrar el equipo del MoMA de San Francisco en 1972 con el objetivo de encabezar un programa dirigido a “comunidades”, y luego de haber impulsado en esa ciudad la fundación de la Galería de la Raza, activa desde 1969. El hacer de Castellón, su obra viva, sus posiciones de extranjero y amateur, anti-colonial y “pos-colombino”, nos acompañan a interrogar, entre otras gramáticas, las de la exposición.

Una recurrencia de la duración. Adrian Heathfield
El escritor y comisario Adrian Heathfield habla de su trabajo con el artista Tehching Hsieh, centrándose especialmente en su colaboración más reciente, Doing Time, la exposición en el pabellón taiwanés de la 57 Biennale de Venecia. Hsieh es conocido por la serie de performances que realizó a finales de los años setenta y principios de los ochenta del siglo pasado. De un año de duración cada una, estas performances trascendían límites físicos y psicológicos y señalaban el tiempo como material artístico. Heathfield especula sobre la práctica curatorial y la performance, sus relaciones con la duración y la persistencia y con los restos que han quedado. Habla sobre la capacidad premonitoria de la obra de Hsieh en relación a la manera en que el capitalismo ha reformulado y regulado el trabajo y a la aceleración de la vida.

El año en el que el futuro se acabó. Francesco Berardo Bifo
El año 1977 puede considerarse como un punto de inflexión en la historia. No sólo es el año en el que el neoliberalismo comienza a afirmarse y las nuevas tecnologías de comunicación emergen, también es el año en el que se desarrolla un movimiento cultural radical pero caracterizado por una naturaleza post-política, mientras una ansiedad social y estética se expresa en las palabras No future.

Cuarenta años después, puede señalarse el año 1977 como el fin de la confianza en el futuro, también como el comienzo de la época precaria.

Biografías:

Franco “Bifo” Berardi (Bolonia, 1949) es un escritor, filósofo y agitador político-cultural italiano. Se graduó en Estética en la facultad de filosofía y letras de la Universidad de Bolonia. Fue fundador de “Radio Alice” y una figura destacada del movimiento de autonomía obrera en Italia. Actualmente da clases de Historia Social de los Medios en la Accademia di Brera de Milán. En 2002 fundó “TV Orfeo”, la primera televisión comunitaria italiana. Entre sus obras figuran: La fábrica de la infelicidad, Traficantes de Sueños, Madrid (2003); Generación Postalfa, Tinta Limón, Buenos Aires (2007); The Soul at Work: From Alienation to Autonomy, Semiotext(e), Los Angeles (2007); Precarious Rhapsody: Semiocapitalism and the Pathologies of the Post-alpha Generation, Minor Compositions, London (2009); After the Future, AK Press (2009); Felix, Editorial Cactus, Buenos Aires (2013); Después del futuro. Desde el futurismo al cyberpunk. El agotamiento de la modernidad. Enclave editorial, Madrid (2014).

Tamara Díaz Bringas (Cuba, 1973. Reside en Madrid). Investigadora y curadora. Recientemente ha sido curadora general de la X Bienal Centroamericana, Costa Rica, 2016. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de La Habana, 1996 y graduada en 2009 del Programa de Estudios Independientes del MACBA, Barcelona. Entre 1999 y 2009 fue curadora adjunta y coordinadora editorial de TEOR/éTica, San José. Entre sus curadurías: Playgrounds. Reinventar la plaza –junto a Manuel J. Borja-Villel y Teresa Velázquez–, Museo Reina Sofía, Madrid, 2014; curadora adjunta de la 31 Bienal de Pontevedra: Ut(r)ópicos, dedicada a Centroamérica y el Caribe y dirigida por Santiago Olmo, Galicia, 2010. Junto a Virginia Pérez-Ratton realizó la curaduría de Estrecho Dudoso, San José, 2006. TEOR/éTica ha publicado una selección de sus ensayos en el libro Crítica próxima, 2016.

Dora García es artista y emplea una variedad de medios que incluyen la performance, el vídeo HD, el texto y la instalación. En su práctica, investiga las condiciones en las que se da el encuentro entre el artista, la obra y el espectador, centrándose especialmente en las nociones de duración, acceso y legibilidad. Las obras de García a menudo ponen en escena situaciones hipotéticas no guionizadas que despiertan dudas acerca del carácter ficticio o espontáneo de una situación dada, y que establecen las reglas del juego y las condiciones de uso de los dispositivos de grabación para plantear formas de participación del público conscientes e inconscientes. Su trabajo explora también el potencial político subyacente a las posiciones marginales, y homenajea a través de algunas obras a figuras excéntricas y en ocasiones anti-heroicas. García ha participado en dOCUMENTA 13 (2012), Biennale de Venecia (2011, 2013, 2015), bienal de São Paulo (2010), bienal de Sydney (2008), Skulptur Projekte Münster (2007), bienal de Estambul (2003).

Adrian Heathfield es escritor y comisario y trabaja entre los ámbitos de las artes en vivo, el teatro y la danza. Es autor de Out of Now, monográfico sobre el artista Tehching Hsieh, y editor de Perform, Repeat, Record and Live: Art and Performance. Fue co-comisario de Live Culture (Tate Modern, 2003) y los proyectos de investigación creativa Performance Matters (2009-14) y Curating the Ephemeral (2014-16). Recientemente, ha sido comisario asociado de la Bienal de Sidney de 2016, co-director de freethought of Bergen Assembly 2016 y comisario del pabellón taiwanés de la Biennale de Venezia de 2017. Es profesor de Performance y Cultura Visual de la Universidad de Roehampton, Londres. www.adrianheathfield.net

Bojana Kunst es filósofa, dramaturga y teórica de la performance. Trabaja como profesora en el Instituto de Estudios de Teatro Aplicado en la universidad Justus Liebig de Giessen, donde dirige el programa internacional de máster Coreografía y Performance. Forma parte del consejo editorial de las revistas Maska, Amfiteater y Performance Research. Su último libro es Artist at Work, Proximity of Art and Capitalism, Zero Books, Winchester, 2015.
 

 

 

 

 

 

Martes, 11 Julio, 2017 - 19:00

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Proyección de Lucio. Sesión propuesta por Terri Florido, seguida de coloquio.

Lucio es una película documental de 2007 escrita y dirigida por Aitor Arregi y José María Goenaga Trata sobre la vida del albañil y militante anarquista Lucio Urtubia, protagonista durante décadas de acciones diversas en contra del sistema capitalista. Narrada en primera persona, la película va adquiriendo ritmo hasta llegar a ser casi un thriller; otra historia, complementaria a la oficial, de la segunda mitad del siglo XX.

Terri Florido (Bilbao, 1972). Artesano sonoro, retratista y camarógrafo. Continuo extraviado en busca de sentido.
 

EGB
Jueves, 6 Julio, 2017 - 17:00

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Jueves, 6 julio 2017 – 17:00
Viernes, 7 de julio – 10:30

 

Bulegoa z/b inicia en 2017 un curso de comisariado a través de una serie de encuentros. Cada uno de ellos se divide en dos sesiones y está dirigido por una persona a la que hemos invitado a interrogarse por el término “comisariado”. Peio Aguirre conduce el primero de estos encuentros.

Bulegoa z/b es una oficina de arte y conocimiento. A menudo nos hemos preguntado qué significa comisariar, si es posible que bajo el paraguas del término se encuentren sensibilidades y formas de operar de ámbitos distintos, si puede hablarse de comisariado en el sentido específico de hacer exposiciones pero también en un sentido expandido.

Siguiendo con esto, el comisariado puede entenderse como un impulso que responde a un deseo. Un deseo de ver algo donde antes no había nada; de hacer surgir una exposición, un artefacto compuesto de objetos que comparten espacio y tiempo; de generar pensamiento a partir de las relaciones que se producen entre esos objetos. También, un deseo de producir, parafraseando al artista Luca Frei, un momento de atención.

Para participar en la sesión y recibir información, escribir a bulegoa@bulegoa.org
 

Historia y actualidad del display como método expositivo. Jueves, 6 de julio, 17:00
En inglés display significa “exhibir”, “exponer” o “desplegar”. En la jerga curatorial el término remite al montaje o diseño de exposiciones, una labor fundamental en los estudios y prácticas curatoriales actuales. Esta sesión analiza el origen del display y su evolución en algunas exposiciones importantes de la modernidad del siglo XX. Su historia está atravesada por la interacción y colaboración entre distintos agentes: trabajadores de museos, historiadores, artistas, diseñadores y también arquitectos. Muestras como Film und Foto, Stuttgart 1929, y The Family of Man, en el MoMA Museum of Modern Art de Nueva York en 1955, han devenido en hitos que revolucionaron la exposición como medio. Esta sesión dedica también un lugar a otra exposición, la seminal Italy: The New Domestic Landscape (1972), organizada por el arquitecto y entonces curator del MoMA, Emilio Ambasz, y donde se mostraban los experimentos “radicales” o utópicos del diseño y la arquitectura italianas del periodo: Superstudio, Archizoom, Sottsass y demás. La sesión incluye algunos ejemplos de display contemporáneos así como muestras de display concebidas por el responsable de la sesión en distintas exposiciones. 

Fortunas de la llamada “Estética relacional”. Viernes, 7 de julio, 10:30
Pocos conceptos artísticos han sido tan utilizados en las dos últimas décadas como el de “Estética Relacional” (ER). Desde la publicación en 1998 del libro Esthétique Relationelle (Les Presses du Réel) de Nicolas Bourriaud, la expresión ha devenido en toda una categoría o etiqueta periodizadora para definir un momento así como un conjunto de prácticas artísticas y modos de hacer. La principal novedad de la ER resulta en un cambio de paradigma en el arte, donde la interpretación activa del espectador, la interacción, la participación y la convivialidad devienen en aspectos ineludibles. Asociado a una serie de artistas que emergen en los años noventa, como Rirkrit Tiravanija y Dominique González Foester, la ER es a menudo una categoría alrededor de la cual se acumulan no pocos malentendidos. En lugar de dar por sentado los clichés asociados a la ER, esta sesión trata de indagar en el espíritu del concepto a principios de los años noventa que adquiere cuerpo en una serie de exposiciones organizadas en Francia. Entre estas exposiciones, está Traffic, comisariada por el propio Bourriaud en el CAPC de Burdeos en 1996, y que sirvió para catapultar “lo relacional”. Igualmente, se aborda la obra de algunos artistas que contribuyeron a ese cambio de paradigma como Liam Gillick y Angela Bulloch. La sesión termina con un comentario sobre la influencia o repercusión que “lo relacional” ha podido tener en el contexto del arte vasco y español. 

Peio Aguirre es crítico de arte, escritor, comisario independiente y editor. Es autor del libro La línea de producción de la crítica (consonni, 2014). Ha publicado en revistas y periódicos nacionales e internacionales como el Cultura(s) de La Vanguardia, Mugalari de Gara, Exit, A-desk, Afterall, A Prior Magazine, Exit Express, Flash Art, El estado mental, e-flux journal, Concreta, Babelia de El País, Campo de relámpagos, entre otros. Ha comisariado las exposiciones Imágenes desde el otro lado, CAAM, Las Palmas de Gran Canaria (2007); Arqueologías del Futuro, sala rekalde, Bilbao (2007); Asier Mendizabal, MACBA, Barcelona (2008); Néstor Basterretxea, Forma y Universo, Museo de Bellas Artes de Bilbao (2013); Una modernidad singular. “Arte nuevo” alrededor de San Sebastián 1925-1936, Museo San Telmo, Donostia-San Sebastián (2016); 38 de julio-37 de octubre de Juan Pérez Agirregoikoa, Artium, Vitoria-Gasteiz (2017), entre otras. 
Desde 2006 escribe crítica cultural en su blog Crítica y metacomentario: http://peioaguirre.blogspot.com

 

 

Sábado, 24 Junio, 2017 - 10:00

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Karlos Martínez B.: “Les effets de la vie en groupe” (Bilbaoarte, Bilbao, 2016)

 

Tengo el recuerdo de cuando era niño de seleccionar los libros más bien por su formato que por su contenido; pero, ¿cómo juzgar a un libro por su portada, si éste aún está por venir?

Coincidiendo con las actividades del Solsticio de verano y partiendo del libro Pense Bête (1963) de Marcel Broodthaers, propongo la sesión “Readers want what is important to be clearly laid out; they will not read what is too troublesome” (“Los lectores quieren que lo importante esté dispuesto claramente sobre el papel; no leerán aquello que les resulte demasiado fastidioso”), cita del tipógrafo alemán Jan Tschichold, en la que mostraré algunos de mis últimos trabajos realizados durante el desarrollo y participación en el grupo de estudio El libro por venir. Utilizando principalmente el formato del poster como un punto de partida abierto, definiendo la esencia de un libro y examinando su funcionamiento como objeto en el arte, la sesión se complementa con la presentación de una edición producida originalmente para la sesión y un taller junto a Maite Martínez de Arenaza (La Taller) con el interés primero de usar el medio de la impresión como entorno para la práctica colaborativa experimental.

Pense Bête fue el tercer y último libro de poemas que publicó Broodthaers. También está considerada como su primera “obra de arte”. Marca el momento en el que, ante las dificultades que tenía para vender sus libros, el artista decide abandonar la poesía para dedicarse a las artes plásticas. Primero intervino con collages las páginas de una copia del libro; más tarde reunió los últimos cincuenta ejemplares y los cubrió parcialmente con yeso. Con Pense Bête, Broodthaers quería crear algo “insincero”, realizar una pieza ambigua en la que se ocultara un texto.

Para inscribirse en la sesión y recibir información, escribir a bulegoa@bulegoa.org. Las plazas son limitadas

Karlos Martínez B. (Bilbao, 1982) vive y trabaja en Durango, trabaja con objetos en diferentes medios plásticos y visuales. Su trabajo se centra en cuestiones ontológicas, para profundizar en problemáticas relacionadas al acceso y el duelo. A menudo utiliza elementos quebradizos, caducos o comunes, derivados todos ellos de un vocabulario familiar y alusivo a la experiencia sobre la pérdida.

Maite Martínez de Arenaza (Aretxabaleta, 1971) desde el año 2010 dedica su quehacer a la gráfica contemporánea en la ciudad de Bilbao como directora de La Taller. Recientemente La Taller ha ampliado su proyecto con la apertura de Erredakzioa, dirigida a su vez por Tania Arriaga Azkarate. Las técnicas gráficas y las tecnologías de la imprenta son el nexo que aúnan ambos proyectos. Mientras La Taller es un espacio vinculado a la creación, edición y divulgación de imágenes obtenidas mediante técnicas gráficas, Erredakzioa se plantea como una oficina de producción y divulgación de textos, a través de tecnologías que han ido quedando en desuso en el mundo de la imprenta.

Solsticio de verano:
El Solsticio de verano es la celebración conjunta de Bulegoa z/b, Espacio Trópico y La Taller, tres espacios del barrio bilbaíno de Solokoetxe.

Programa:
10:00-14:00: Presentación y taller Readers want what… de Karlos Martínez B. (Bulegoa z/b y La Taller-Erredakzioa)
14:30-16:30: Exposición Readers want what…* y comida (Bulegoa z/b)
17:00-17:30: Diva de Palo. Enriqueta Vega (La Taller-Erredakzioa)
18:30-20:30: Exposición y feria de auto-edición y fanzines (Espacio Trópico)

Lugares:
Bulegoa z/b (Solokoetxe 8) http://www.bulegoa.org/
La Taller (Maestro Icíar) http://www.lataller.com/
Espacio Trópico (Zabalbide 17)

* La exposición “Readers want what…” en Bulegoa z/b estará abierta entre el 26 y el 30 de junio en horario de 18:00 a 20:00.

El libro por venir es un proyecto desarrollado dentro de Corpus, red para la práctica de la performance. Corpus está compuesta por Bulegoa z/b (Bilbao), Contemporary Art Centre (Vilnius), KW Institute for Contemporary Art (Berlín), If I Can’t Dance, I Don’t Want To Be Part Of Your Revolution (Ámsterdam), Playground (STUK Kunstencentrum & M-Museum, Lovaina) y Tate Modern (Londres): www.corpus-network.org.
Corpus está cofinanciada por el programa Europa Creativa de la Unión Europea.
 

 

 

 

 

Miércoles, 21 Junio, 2017 - 20:00

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Proyección de varias películas de Peter Weiss propuestas por Andreas Wutz y seguidas de coloquio.

Conocido por su novela La estética de la resistencia y por su obra de teatro Marat/Sade, Peter Weiss era un gran admirador de la obra cinematográfica de Luis Buñuel. Además de dedicarle el capítulo central de su estética cinematográfica Avantgardefilm (1956), el autor sueco-alemán pensó en el maestro del cine surrealista como director de una posible versión fílmica de La estética de la resistencia. Weiss no sólo escribía sobre cine, también lo practicaba. Entre 1952 y 1961, realizó dieciocho películas que incluyen cortometrajes experimentales, documentales y dos largometrajes. Esta sesión de cine_ilegal nos brinda la oportunidad de conocer algunas de ellas.

Andreas Wutz (Múnich, 1962) es artista independiente graduado en pintura e instalación. Posteriormente se ha centrado en la fotografía, la instalación y el cine. Basados en las estrategias del documental, el arte y el cine experimental, sus trabajos están impulsados por un profundo interés en temas político-sociales y en distintas referencias históricas. Entre 2013 y 2015 fue profesor de Arte Audiovisual en el Instituto Europeo de Diseño de Barcelona y en la Universidad de California de San Diego. Actualmente vive y trabaja en Bilbao.
www.andreaswutz.net

 

EGB
Jueves, 1 Junio, 2017 - 10:00

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bulegoa z/b continúa con una serie de lecturas, coordinadas por Olatz González Abrisketa y Susana Carro Ripalda, en torno al término de “Cosmopolítica”, acuñado por Isabelle Stengers en 1996 para sugerir una forma de hacer política que rechace la existencia de un “mundo común”, del “bien común”, o de las “buenas intenciones” y, por ende, la autoridad de ciertas voces para representar a ese supuesto mundo único.

Las sesión tendrá una duración de 2-3 horas, en las que, tras una introducción por parte de las coordinadoras, se iniciará el debate en torno a la lectura planteada y a una serie de preguntas marco: ¿Hasta qué punto es la propuesta cosmopolítica viable? ¿Cómo reconocer e incluir en las tomas de decisiones a colectivos “invisibles” u otros seres? ¿Son otras formas de hacer política posibles?

Texto propuesto para el 1 de Junio 2017. Mario Blaser (2016). “Is another cosmopolitics possible?” Cultural Anthropology, Vol. 31, Issue 4, pp. 545–570.

Para participar y recibir los textos propuestos escribir a bulegoa@bulegoa.org

Susana Carro Ripalda (Bilbao, 1965), es antropóloga y ha sido profesora en las universidades de Edimburgo, Glasgow y Durham. Actualmente es investigadora del programa Bizkaia:talent en el Centro de Etica Aplicada de la Universidad de Deusto. Su trabajo se centra en estudios de ciencia y tecnología, bioética, relaciones interespecíficas, personeidad y relacionalidad, todo ello en contextos comparativos internacionales (México, Brasil, India, Reino Unido y Euskal Herria).

Olatz González Abrisketa (Bilbao, 1973) es antropóloga y profesora de la UPV/EHU. Investigadora del grupo “Identidad y cambio social”, trabaja principalmente sobre deporte y género. Alterna la producción escrita y la audiovisual, destacando su libro “Pelota Vasca: un ritual, una estética” (2005) y la película “Pelota II” (2015), dirigida junto a Jørgen Leth. En 2013 ya colaboró con Bulegoa z/b con el seminario “Lecturas perspectivistas”.

Juntas han organizado varios grupos de lectura sobre corrientes actuales en la antropología y publicado el artículo “La apertura ontológica de la antropología contemporánea” (2016).
 

Domingo, 28 Mayo, 2017 - 19:00

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Proyección de un fragmento de la única entrevista realizada a Amadeo Bordiga. Sesión propuesta por Mattin y Blas Etxebarria, seguida de coloquio.

En esta entrevista, realizada justo antes de morir, Amadeo Bordiga discute con Antonio Gramsci sus diferencias en torno al fascismo.

Durante la sesión contaremos con la participación de Blas Etxebarria, quien nos introducirá tanto a la figura de Bordiga como a sus ideas, así como con la presencia de gite-ipes (Gizarte Ikerketarako Talde Eragilea – Instituto Promoción Estudios Sociales).

Amadeo Bordiga es una figura emblemática dentro del comunismo, pero también es un gran desconocido. Junto con Antonio Gramsci fundó en 1921 el Partido Comunista de Italia, pero fue expulsado en 1930 por defender a Trotsky. Bordiga se oponía totalmente a la participación parlamentaria y por esto fue criticado por Lenin en su conocido ensayo La enfermedad infantil del 'izquierdismo' en el comunismo (1920). En 1926 Bordiga criticó a Stalin cara a cara y propuso la idea de que la Unión Soviética fuera dirigida conjuntamente por todos los partidos comunistas del mundo. En 1945 fundó, junto a otros ex dirigentes comunistas, el Partido Comunista Internacionalista (en italiano Partito Comunista Internazionalista). Este pequeño partido, que se consideraba fiel al marxismo y enfrentado al estalinismo, denunciaba “desde la izquierda” a la URSS, cuyo sistema económico consideraba como capitalismo.

Para terminar esta sesión, se hablará de la evolución del movimiento bordiguista en los años posteriores a la muerte de su iniciador.

Blas Etxebarria formó parte, en la Venezuela de los años sesenta, del primer grupo de militantes comunistas ajenos al Partido Comunista, bautizado por la izquierda tradicional venezolana como Ocho Jóvenes Iracundos. Posteriormente vino a Europa donde se incorporó al movimiento bordiguista, llegando a participar en una reunión con el propio Bordiga en Milán. En 1970 organizó la sección bordiguista de la Suiza francoparlante y en 1978 la sección venezolana. En 1982 abandonó la militancia activa.

Mattin es un artista que trabaja predominantemente con ruido e improvisación. Junto con Anthony Iles ha editado el libro Ruido y Capitalismo (Arteleku-Audiolab 2010). En 2012 CAC Bretigny y Taumaturgia editaron el libro Unconstited Praxis que recoge gran parte de textos y entrevistas de Mattin así como críticas a performances realizadas tanto en solitario como en colaboración. Actualmente es estudiante de doctorado en el departamento de Arte y Tecnología en la EHU/UPV en Leioa bajo la tutoría de Josu Rekalde y Ray Brassier.
 

Lunes, 8 Mayo, 2017 - 08:00

Foto: Françoise Rognerud

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Foto: Françoise Rognerud 

 

Primera estancia: del 8 al 12 de Mayo 2017 – Azala, espacio de creación (Lasierra)

Bulegoa z/b inicia un nuevo programa de residencias para apoyar la producción artística y de conocimiento en distintas fases y niveles.

En 2017 Bulegoa z/b invita a la coreógrafa Olga de Soto a desarrollar A Project Made of Voices y recuperar el material sonoro recopilado durante sus investigaciones en torno a la historia de la danza.

Se le ofrecen dos periodos de residencia. El primero, entre el 8 y el 12 de mayo, tendrá lugar en el espacio de creación Azala, situado en el pueblo de Lasierra (Álava), y se combinará con un seminario y una proyección organizados por Azala en el marco de Proklama#10. Una segunda fase se localizará en el espacio de Bulegoa z/b en Bilbao a lo largo de otoño, y dará lugar a una presentación pública del proyecto.

A Project Made of Voices surge del trabajo desarrollado durante los últimos años por Olga de Soto. Tomando como punto de partida una obra estrenada en 1932, el proyecto oscila entre el análisis de la memoria corporal, el trabajo de investigación vinculado a la historia de la danza y el estudio de la memoria perceptiva.

Partiendo de un extenso archivo de audio recopilado a lo largo de varios años, y que reúne numerosas entrevistas (en francés, inglés, castellano y alemán), el objetivo de A Project Made of Voices es explorar formas que permitan a la coreógrafa profundizar en el trabajo sobre el documento oral e indagar en temas como la huella, el eco, la resonancia y el sedimento.

En A Project Made of Voices, de Soto explorará dos líneas de trabajo: la primera estará centrada en la cuestión del significado y del sentido para imaginar un objeto documental; en la segunda explorará la voz como materia física, con el fin de provocar una toma de distancia del sentido de los discursos y relatos para jugar con las palabras, el lenguaje, los idiomas, los acentos, los tonos, las entonaciones y las intenciones y adentrarse en la concepción de un objeto abstracto.

Olga de Soto es coreógrafa e investigadora en danza, nacida en Valencia y afincada en Bruselas. Licenciada por el Centro Nacional de Danza Contemporánea de Angers, tras haber cursado estudios de danza clásica, danza contemporánea y solfeo en Valencia y en Madrid.

Su trabajo de creación comienza en 1992 y desde comienzos de 2000 se centra en el estudio de la memoria y del impacto del arte escénico, su utilidad y su perennidad, apoyándose en dos ejes. El primero se centra en el estudio de la memoria corporal y el segundo explora la Historia de la Danza a través de la percepción y la memoria que guardan de ciertas obras tanto los espectadores que las han visto como los bailarines que las han interpretado, reuniendo y generando numerosos documentos textuales, iconográficos, orales y audiovisuales.

Su trabajo ha sido mostrado en una veintena de países y es invitada con regularidad a dar talleres y conferencias en diferentes universidades o a compartir su metodología de trabajo. En 2013 recibió el Premio de la SACD Bélgica — Sociedad de Autores y de Compositores Dramáticos belga, en la categoría de Artes Escénicas, por el conjunto de su trayectoria y en particular por su trabajo de investigación y de creación en torno a La Mesa Verde, de Kurt Jooss.

Esta actividad se realiza en colaboración con Azala, espacio de creación.
 

 

 

 

 

 

 

Viernes, 5 Mayo, 2017 - 21:00

Naufragio en la costa vasca (c. 1890. Archivo Municipal de Bermeo)Naufragio en la costa vasca (c. 1890. Archivo Municipal de Bermeo)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Esta sesión de El libro por venir consiste en la realización de un trayecto por la Ría de Bilbao a bordo del Euskal Herria.

Horas de salida y de llegada:
21:00 y 23:00

Lugar de salida y de llegada:
Agrupación de Boteros de Portugalete
Plaza del Solar s/n
48920 – Portugalete

Plazas limitadas. Para participar en la actividad, escribir a: bulegoa@bulegoa.org

Vi A Voyage on The North Sea (1973-1974) en una conferencia de Filiep Tacq organizada por Bulegoa z/b en 2013. La obra de Marcel Broodthaers es una película que es un libro y un libro que es una película, y toma una pintura de un barco como objeto.

En 2013 estaba trabajando en BAPORAK, un trabajo que también tiene como objeto el barco, el retrato del barco. Una de las partes del proyecto iba a ser un libro. Después de la conferencia, me puse en contacto con Filiep Tacq y empezamos a trabajar. Más tarde, el diseñador de libros puso en marcha junto a la oficina de arte y conocimiento de Bilbao El libro por venir.

BAPORAK es un trabajo cuyo elemento central es la catalogación fotográfica de la flota de atuneros vascos que faenan en el océano Índico. Cada una de las fotografías de estos barcos –barcos que son también ciudades en miniatura, máquinas equipadas con novísima tecnología y fábricas altamente productivas– sigue el esquema formal del retrato pictórico naval clásico. Recortado contra un fondo de mar y cielo de proporciones constantes, el perfil afilado de estos buques del siglo XXI revela a la vez que oculta una realidad a la que apenas se pone rostro: aquello que sucede en los océanos, las actividades extractivas y el intenso tráfico comercial sobre los que se sostiene la economía global.

Un barco es un objeto singular. Su forma recuerda a otras dos figuras que emergen del agua, la isla y la ballena. A diferencia de éstas, es una forma cultural, una arquitectura móvil cuya construcción requiere tiempo y esfuerzo, y que se realiza en tierra, en un lugar próximo al agua.

Esta sesión de El libro por venir consiste en la realización de un trayecto por la Ría de Bilbao a bordo del Euskal Herria. Durante el recorrido se visitarán los emplazamientos de distintos astilleros antiguos y actuales de la larga historia de la industria naval de la zona. Algunos de ellos han sido el escenario de la construcción de varios de los atuneros fotografiados en BAPORAK. El viaje a bordo del barco de la Agrupación de Boteros de Portugalete se plantea como un paseo cinematográfico.

Mikel Eskauriaza (Bilbao, 1969) es artista y vive en Berango. Trabaja con el medio fotográfico y el género paisajístico desde los años noventa. Emplea la fotografía como herramienta para observar, documentar e interpretar diferentes formas de intervención arquitectónica y urbanística sobre el territorio y sus consecuencias físicas, políticas, económicas y simbólicas.
www.mikeleskauriaza.com

El libro por venir es un proyecto desarrollado dentro de Corpus, red para la práctica de la performance. Corpus está compuesta por Bulegoa z/b (Bilbao), Contemporary Art Centre (Vilnius), KW Institute for Contemporary Art (Berlín), If I Can’t Dance, I Don’t Want To Be Part Of Your Revolution (Ámsterdam), Playground (STUK Kunstencentrum & M-Museum, Lovaina) y Tate Modern (Londres).

Corpus está cofinanciada por el programa Europa Creativa de la Unión Europea.

 

 

 

 

EGB
Jueves, 4 Mayo, 2017 - 10:00

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bulegoa z/b continúa con una serie de lecturas, coordinadas por Olatz González Abrisketa y Susana Carro Ripalda, en torno al término de “Cosmopolítica”, acuñado por Isabelle Stengers en 1996 para sugerir una forma de hacer política que rechace la existencia de un “mundo común”, del “bien común”, o de las “buenas intenciones” y, por ende, la autoridad de ciertas voces para representar a ese supuesto mundo único.

Las sesión tendrá una duración de 2-3 horas, en las que, tras una introducción por parte de las coordinadoras, se iniciará el debate en torno a la lectura planteada y a una serie de preguntas marco: ¿Hasta qué punto es la propuesta cosmopolítica viable? ¿Cómo reconocer e incluir en las tomas de decisiones a colectivos “invisibles” u otros seres? ¿Son otras formas de hacer política posibles?

Texto propuesto para 4 de Mayo 2017. Marisol de la Cadena (2010). “Indigenous Cosmopolitics in the Andes”. Cultural Anthropology, Vol. 25, Issue 2, pp. 334–370.

SIGUIENTES SESIONES Y TEXTOS:

1 de Junio 2017. Mario Blaser (2016). “Is another cosmopolitics possible?” Cultural Anthropology, Vol. 31, Issue 4, pp. 545–570.

Para participar y recibir los textos propuestos escribir a bulegoa@bulegoa.org

Susana Carro Ripalda (Bilbao, 1965), es antropóloga y ha sido profesora en las universidades de Edimburgo, Glasgow y Durham. Actualmente es investigadora del programa Bizkaia:talent en el Centro de Etica Aplicada de la Universidad de Deusto. Su trabajo se centra en estudios de ciencia y tecnología, bioética, relaciones interespecíficas, personeidad y relacionalidad, todo ello en contextos comparativos internacionales (México, Brasil, India, Reino Unido y Euskal Herria).

Olatz González Abrisketa (Bilbao, 1973) es antropóloga y profesora de la UPV/EHU. Investigadora del grupo “Identidad y cambio social”, trabaja principalmente sobre deporte y género. Alterna la producción escrita y la audiovisual, destacando su libro “Pelota Vasca: un ritual, una estética” (2005) y la película “Pelota II” (2015), dirigida junto a Jørgen Leth. En 2013 ya colaboró con Bulegoa z/b con el seminario “Lecturas perspectivistas”.

Juntas han organizado varios grupos de lectura sobre corrientes actuales en la antropología y publicado el artículo “La apertura ontológica de la antropología contemporánea” (2016).
 

EGB
Jueves, 6 Abril, 2017 - 19:00

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Tomando como punto de partida el libro Un coup de dés jamais n’abolira le hasard de Marcel Broodthaers (1969), Amaia Urra presenta una lectura singular de textos y entrevistas al artista belga.

Como si de una tirada de dados se tratara, la palabras se suceden una a otro creando nuevas combinaciones, mientras invocan presencias ocultas del lenguaje. “Bla: la lenguaje la la Me” o “ Bla: La lectura la la la la” podrían ser otros títulos sugeridos por la artista para esta sesión, todos ellos desdoblan pliegues semánticos que activan nuevas formas de leer la obra de Broodthaers a viva voz.

Amaia Urra (Donostia-San Sebastián, 1974). Su trabajo se centra en el lenguaje, la palabra cantada/hablada y la acción o la dificultad de nombrar las cosas y ha sido presentado en diversos contextos como: Art nomade, rencontre internationale d'art performance de Saugenay (Axeneo7 & SAW Gallery, Gatineau-Otawa), Líneas de acción (Casa Maauad, México DF), In-presentable (Casa Encendida, Madrid) Radiodifusión: Emisión 0 y Emisión 1. de Mugatxoan (MST, Donostia.-San Sebastián), First Thought Best (Artium, Vitoria-Gasteiz), Musac, Museo de Arte contemporáneo (León), Festival Plastique danse flore (Versailles), Zarata Fest, Festival de música rara y afines (Bilbao-Madrid), Tabakalera (Donostia-San Sebasntián), Festival 2D2H (Hondarribi-Hendaya), Ecolalias RSS (Radio del Reina Sofía, Madrid), PAF Performing Arts Forum (St.Erme).

Entre 1999 y 2009 colabora con numerosos coreógrafos como Jérôme Bel, Xavier le Roy, Ion Munduate, Juan Domínguez, Cristina Blanco, Cuqui y María Jerez etc. En 1998, participa en el 1º taller de Mugatxoan, en Arteleku, con quienes posteriormente mantendrá diversas colaboraciones.

 

 

 

 

 

EGB
Jueves, 6 Abril, 2017 - 10:00

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bulegoa z/b continúa con una serie de lecturas, coordinadas por Olatz González Abrisketa y Susana Carro Ripalda, en torno al término de “Cosmopolítica”, acuñado por Isabelle Stengers en 1996 para sugerir una forma de hacer política que rechace la existencia de un “mundo común”, del “bien común”, o de las “buenas intenciones” y, por ende, la autoridad de ciertas voces para representar a ese supuesto mundo único.

Las sesión tendrá una duración de 2-3 horas, en las que, tras una introducción por parte de las coordinadoras, se iniciará el debate en torno a la lectura planteada y a una serie de preguntas marco: ¿Hasta qué punto es la propuesta cosmopolítica viable? ¿Cómo reconocer e incluir en las tomas de decisiones a colectivos “invisibles” u otros seres? ¿Son otras formas de hacer política posibles?

Texto propuesto para el 6 de Abril 2017. Donna Haraway (2016). Manifiesto de las especies de compañía. Editorial Sans Soleil. (Capítulos I, II y III, pp. 9-72).

SIGUIENTES SESIONES Y TEXTOS:

4 de Mayo 2017. Marisol de la Cadena (2010). “Indigenous Cosmopolitics in the Andes”. Cultural Anthropology, Vol. 25, Issue 2, pp. 334–370.

1 de Junio 2017. Mario Blaser (2016). “Is another cosmopolitics possible?” Cultural Anthropology, Vol. 31, Issue 4, pp. 545–570.

Para participar y recibir los textos propuestos escribir a bulegoa@bulegoa.org

Susana Carro Ripalda (Bilbao, 1965), es antropóloga y ha sido profesora en las universidades de Edimburgo, Glasgow y Durham. Actualmente es investigadora del programa Bizkaia:talent en el Centro de Etica Aplicada de la Universidad de Deusto. Su trabajo se centra en estudios de ciencia y tecnología, bioética, relaciones interespecíficas, personeidad y relacionalidad, todo ello en contextos comparativos internacionales (México, Brasil, India, Reino Unido y Euskal Herria).

Olatz González Abrisketa (Bilbao, 1973) es antropóloga y profesora de la UPV/EHU. Investigadora del grupo “Identidad y cambio social”, trabaja principalmente sobre deporte y género. Alterna la producción escrita y la audiovisual, destacando su libro “Pelota Vasca: un ritual, una estética” (2005) y la película “Pelota II” (2015), dirigida junto a Jørgen Leth. En 2013 ya colaboró con Bulegoa z/b con el seminario “Lecturas perspectivistas”.

Juntas han organizado varios grupos de lectura sobre corrientes actuales en la antropología y publicado el artículo “La apertura ontológica de la antropología contemporánea” (2016).